diumenge, 22 de gener del 2017
dissabte, 16 de juliol del 2016
Amira Parree, And if I die?, exposición en el CAAM
Con una obra de enorme profundidad conceptual y poética, y un desarrollo formal postminimalista, la artista Amira Parree (El Cairo, 1970) presenta en esta exposición una selección de trabajos, creados en su mayoría entre 2015 y 2016, y planteados desde la instalación, lo objetual, la fotografía y la performance.
El proyecto consta, en concreto, de nueve obras entre las que se incluyen un mural creado expresamente para esta exposición, una performance que realizará Amira Parree durante la apertura de la muestra y otra performance en la que la artista teje con su propio cabello la frase Porque de mi cuerpo aún no está todo dicho, pieza que creará por primera vez en español tras haberla realizado anteriormente en francés y en árabe. El proceso de creación de esta obra comienza de los días posteriores a la apertura de la muestra.
Tal y como explica el Director del CAAM, Orlando Britto Jinorio, en el folleto que acompaña a la exposición, el título del proyecto And if I die? alude a una serie de interrogantes que surgen de sus creaciones: ¿Qué ocurriría si de repente morimos o tomamos conciencia real de nuestra mortalidad?. ¿Qué ocurriría en ese instante, de tránsito para unos y de desaparición para otros, con nuestro entorno más personal, la familia y los seres queridos, y con la obra de la artista?. ¿Cuál es el sentido de la creación artística y de su perdurabilidad?. ¿Crea el artista con la finalidad de plantear preguntas sobre su/nuestra existencia o intenta mediante sus procesos creativos afrontar, superar o resolver cuestiones de índole personal y existencial?
En la obra de Amira Parree hay siempre un contenido performativo latente. La artista ‘habita’ algunas de sus creaciones ocupando esos sugeridos vacíos interiores de sus objetos-instalaciones para darles vida y moverse por el espacio, como una invitación permanente al espectador a adentrarse activamente en ellas.
En este sentido, el interrogante de este proyecto Andi f I die? (¿Y si muero?) ofrecería una posible resolución desde la propia naturaleza del trabajo de la artista. Tal vez no sea tan grave asumir la fugacidad de la vida, pues serán otros-as los que ‘habitando sus obras’ doten de sentido tanto a su trabajo como a su existencia.
Dos objetos instalativos de gran presencia, a modo de vestimentas donde el cuerpo puede desaparecer y tan solo dejar intuir las formas en su interior, marcan los espacios expositivos de este proyecto. Artefactos para el anonimato donde poder refugiarnos y movernos con libertad para limpiarnos y prescindir de múltiples capas/piel resultado de proyecciones no deseadas que se construyen sobre nosotros.
El paso inexorable del tiempo se plantea en dos instalaciones de pared, a modo de vanitas contemporáneas, sobre la necesidad de afrontar, resolver, cuestiones fundamentales antes de emprender el último viaje.
El texto que toma forma en el ritual acompasado del enhebrado y cosido milimétrico con su propio pelo. Una coreografía textil resiliente sobre el cuerpo y el dolor. Tejer con su propia materia orgánica retando la perdurabilidad de su propia existencia para hablarnos de su habitáculo primario, aquel que desaparecerá para convertirse en memoria una vez se resuelva la interrogante inicial de este proyecto: ‘¿Y si muero?’
CONCIENCIA PERSONAL
Amira Parree vive y trabaja entre París y El Cairo. Su trabajo se presenta como un momento reflexivo de conciencia personal, en el que cuestiona la identidad y los problemas sociales. Su investigación en su diario personal se encuentra en yuxtaposición con experiencias conflictivas y reflexiones sobre momentos concretos que han resultado cruciales para su desarrollo personal. Una parte integral de su itinerario de investigación gira en torno a la indigencia, la migración forzada, el exilio, la fragilidad y la ingravidez de la personalidad; experiencias que ha vivido a lo largo de tres décadas entre cuatro países y dos continentes, África y Europa.
Parree estudió artes aplicadas y diseño en la Universidad de Helwan (El Cairo). Posee una licenciatura en Bellas Artes por la Universidad de Helwan, otra en Diseño Gráfico por la Academia Rietveld de Ámsterdam y un Máster por la Universidad París1, La Sorbona. Su tesis se tituló Arts of the Image and the living. En la actualidad es la directora artística del centro de arte y cultura Darb 1718 de El Cairo y de la sección Something Else – OFF de la Bienal de El Cairo. En mayo de este año ha participado en la 12ª edición de la Bienal de Dakar de Arte Contemporáneo Africano.
Título de la exposición: And if I die?
Artista: Amira Parree
Fechas: 9.06.2016 - 28.08.2016
Espacio: CAAM - San Antonio Abad
Entrada libre
Fuente: http://caam.net/es/expos/160609_amira.htm Artista: Amira Parree
Fechas: 9.06.2016 - 28.08.2016
Espacio: CAAM - San Antonio Abad
Entrada libre
dimarts, 5 de juliol del 2016
dimecres, 29 de juny del 2016
dimarts, 28 de juny del 2016
dimecres, 25 de maig del 2016
diumenge, 6 de març del 2016
diumenge, 6 de desembre del 2015
Soledad Sevilla "Milimetro de soledad"
Soledad Sevilla, es la protagonista del reportaje de Imprescincibles de La 2, que se centra en el proceso creativo de la artista.
Soledad Sevilla se caracteriza por la manera de explorar las relaciones entre la luz, la materia y el espacio. Crea sinergias entre lo racional y lo emocional, con un fondo poético, entre la pintura y la poesía.
Dice la artista que "me gustan las cosas que están veladas, que hay que descubrirlas, que hay que investigarlas", y "lo que me interesa del trabajo en el espacio, es crear algo que esté presente como la luz, como el sonido, como el olor. Algo que esté ahí."
En el reportaje, hablan sus alumnos, y comentan que " lo que no le interesa, no le interesa, pero lo que le interesa, da su vida en ello. Pero porqué da por hecho que las cosas que valen la pena expresar en una obra de arte, no se pueden expresar en palabras."
La artista busca interpretar el mundo de una manera ordenada, limpia y pura, para buscar la verdad.
El mensaje directo no le interesa, dice, que hay que exprimirse un poco la memoria y la cabeza, ver cómo expresar algo obvio de una manera no tan sencilla...
 |
| http://www.mecd.gob.es/cultura-mecd/areas-cultura/promociondelarte/premios/premio-artes-plasticas/premiados/premioartes1993.html |
 |
| http://www.soledadsevilla.com/inicio/escrito-en-los-cuerpos-celestes/ |
Más artículos interesantes sobre la artista:
- http://www.soledadsevilla.com/inicio/
- https://es.wikipedia.org/wiki/Soledad_Sevilla
- http://www.march.es/arte/coleccion/ficha.aspx?p0=6&l=1
"Las preocupaciones de Soledad Sevilla están atravesadas por la luz y el tiempo. Desde ellas investiga en los límites de la pintura. De ahí que una de sus características sea el hecho de no ceñirse a un solo medio y trabajar, casi desde sus inicios, en el ámbito de la pintura sobre soporte plano y en el de la instalación, que considera estrategias complementarias. A quien ha vivido, como la autora de La Alhambra, esos mágicos espacios granadinos y ha conseguido plasmarlos en la bidimensionalidad del cuadro, le ha quedado, sin duda, la necesidad de explorar la realidad a través de la trama geométrica de luz y color, pero también el deseo de un viaje espacio-temporal, físico y tridimensional. No es de extrañar entonces que, años más tarde, Soledad Sevilla se disponga a llenarlo todo de lluvia, claveles o mariposas-tiempo." "Necesita los polos opuestos, lo quiere todo: la relación fondo-figura, la planitud, salir al espacio de la sala, hacer que el espectador se pierda entre los planos luminosos del lienzo, pero también que se pregunte qué hay más allá; que experimente un recorrido a través de la vibración de sus espacios de luz y que sienta la ceguera del muro, que busque entre sus resquicios la apertura a otros mundos, otras sensaciones. Soledad Sevilla tiene en sus etéreas retículas una gran deuda con el "velo albertiano", la trama, la celosía. La pintora abandona las historias y se queda con la esencia de la pintura." Aurora Fernández Polanco
Encontrado aquí: http://rtve.es/v/3393953
dimarts, 1 de desembre del 2015
Doris Salcedo en el Museo Reina Sofía
Doris Salcedo resucita a las víctimas de la travesía del Estrecho
La gran artista colombiana prepara una ambiciosa instalación para el Museo Reina Sofía en la que homenajea a los ahogados que perecen tratando de llegar a Europa por mar
Jesús Ruiz Mantilla, Madrid 30 NOV 2015
La palabra ausencia posee una poderosa e inquietante presencia en la obra de Doris Salcedo
(Bogotá, 1958). La puede perfilar mediante la elocuente línea de un
mueble desvencijado o a través del diminuto hueco sin rastro de tobillos
que desprenden los zapatos de un muerto. También dentro de unos cajones
entreabiertos, entre camisas planchadas y apiladas, a lo largo de
perchas imaginarias donde cuelgan las prendas de quienes nunca
regresarán.
El halo visible con el recuerdo transmutado en aire físico se percibe dentro de su contundente trabajo de forma permanente. Lo intuimos en las sillas vacías que antaño fueron ocupadas en cualquier comedor, en los harapos que deja tras de sí la guerra, entre el polvo nómada que levantan a su paso los refugiados…
O, ahora, entre los nombres esculpidos en agua que rellenan un
tenebroso vacío líquido sobre las playas fronterizas de Canarias o
Andalucía. Con esa materia está forjando Doris Salcedo su Palimpsesto, la obra que desde hace años prepara la creadora colombiana para el Museo Reina Sofía.
El suelo del Palacio de Cristal, en el Retiro madrileño, espera ese relleno de arena que acabará plagado de identidades olvidadas entre el 5 de octubre de 2017 y marzo de 2018. El anonimato de los ahogados a lo largo de todos estos años en medio del Estrecho, quedará en parte conjurado por la artista latinoamericana más reconocida hoy en todo el mundo.
Brotes de racismo
No existe olvido pertinaz que soporte la rabia de esta mujer. No lo ha logrado el silencio impuesto durante décadas sobre las víctimas del conflicto que aflige pero no achanta hoy a su tierra colombiana, pero tampoco los desheredados de África, ni los caídos en el Holocausto, incapaces aún de alertar con su sombra los brotes de racismo y rechazo que envenenan hoy Europa.
Aquella grieta con la que Salcedo rasgó el suelo de la sala de la turbina en la Tate Modern londinense —su obra Shibboleth—, ha resultado profética para el continente. Ese dichoso trozo del mundo que quiere cerrar David Cameron por el Atlántico, alambicar el gobierno español por Ceuta y Melilla o fortificar a base de muros el derechista húngaro Victor Orban alrededor del Danubio, enciende su capacidad de denuncia.
Manuel Borja-Villel, director del Reina Sofía, espera paciente que Salcedo resuelva con un equipo de ingenieros y técnicos en su estudio de Bogotá las dificultades de Palimpsesto. “En un periodo que el mundo del arte exige a los creadores producir sin cesar, el trabajo de Doris se nos presenta como lento, a largo plazo. Eso es en sí relevante y dificulta la absorción por un mercado cada día más voraz. Sus temas tienen que ver con el sufrimiento y la marginación de los desposeídos, de los que no tienen voz. Justamente ese ritmo provoca que su obra nunca caiga en lo anecdótico, ni que, por tanto, se recree en el sufrimiento”, explica.
Su intención es clara en esta nueva instalación. Rellenará con arena especial todo el suelo del Palacio de Cristal. De esa superficie, mediante un complejo método hidráulico, se irán escribiendo con agua sobre la gravilla los nombres de cientos de muertos en su intento de atravesar el mar.
Despojos de pateras
Fantasmas ahogados, despojos de Ulises en pateras a la deriva, que huyen, con todo derecho, de la miseria. Quizás les espere al otro lado un futuro para muchos de ellos. Eso, si no se lo tuerce la muerte. A todos dirige la mirada ahora, esa gran conciencia dotada de poder de resurrección que Salcedo imprime a su obra.
Lo hace mediante un complicado entramado técnico que expandirá en 212 paneles elevados a 18 centímetros del suelo y cubrirán los casi 1.100 metros cuadrados del Palacio de Cristal. Los visitantes podrán caminar en medio de la instalación, a lo largo de rampas. Palimpsesto fue un encargo surgido a raíz del Premio Velázquez. Un reconocimiento que Salcedo obtuvo en 2010. “Encargar por parte de nuestro museo una obra a quien lo gane no es una norma escrita. Pero nos pareció oportuno hacerlo en su caso”, relata Borja-Villel.
Después de haber decorado el palacio de Justicia de Bogotá con sillas que se adherían a la pared como insectos gigantes salidos de una pesadilla; tras su grieta londinense, un encargo que le puso en la misma liga mundial de Olafur Eliasson o Anish Kapoor; después de sus pasos por Documenta (Kassel) o tras haber triunfado con una retrospectiva este año en el Guggenheim de Nueva York, Doris Salcedo anda estos meses volcada en la resolución de su Palimpsesto. Y prefiere no hablar de la obra hasta que esté terminada.
De nuevo explora el carácter fantasmagórico de la violencia, sin que se vea obligada a hacerla explícita. Prefiere Salcedo el poder chamánico de la evocación, dotar de aliento poético el recuerdo de quienes en contra de su voluntad cayeron por el camino.
Mujer discreta, artista de un rigor obsesivo, espíritu nada complaciente con el abuso, implacable con quienes detentan el horror, la artista colombiana calcula en su nueva instalación cómo volver a atragantar todo argumento que minusvalore el concepto sagrado de vida. El Reina Sofía vuelve a acoger, como hizo en 1994 con su obra Cocido y crudo, el arte incómodo y contundente de Salcedo.
Extraido de aquí: http://cultura.elpais.com/cultura/2015/11/28/actualidad/1448742397_021296.html
La gran artista colombiana prepara una ambiciosa instalación para el Museo Reina Sofía en la que homenajea a los ahogados que perecen tratando de llegar a Europa por mar
Jesús Ruiz Mantilla, Madrid 30 NOV 2015
La artista colombiana Doris Salcedo, en una imagen tomada en Madrid en 2010. / Álvaro García
El halo visible con el recuerdo transmutado en aire físico se percibe dentro de su contundente trabajo de forma permanente. Lo intuimos en las sillas vacías que antaño fueron ocupadas en cualquier comedor, en los harapos que deja tras de sí la guerra, entre el polvo nómada que levantan a su paso los refugiados…
Vida y obra
Nacida en Bogotá, en 1958, Doris Salcedo estudió en la universidad de su ciudad natal y en Nueva York. Dirigió una escuela de arte en Calí, antes de ser becada por la Fundación Guggenheim, que catapultó su carrera. Cosechó un gran éxito con su grieta de la instalación Shibboleth, en la Sala de Turbinas de la Tate Modern, en Londres, y ha expuesto en el MoMa y el Guggenheim de Nueva York o el Pompidou parisino.
Nacida en Bogotá, en 1958, Doris Salcedo estudió en la universidad de su ciudad natal y en Nueva York. Dirigió una escuela de arte en Calí, antes de ser becada por la Fundación Guggenheim, que catapultó su carrera. Cosechó un gran éxito con su grieta de la instalación Shibboleth, en la Sala de Turbinas de la Tate Modern, en Londres, y ha expuesto en el MoMa y el Guggenheim de Nueva York o el Pompidou parisino.
El suelo del Palacio de Cristal, en el Retiro madrileño, espera ese relleno de arena que acabará plagado de identidades olvidadas entre el 5 de octubre de 2017 y marzo de 2018. El anonimato de los ahogados a lo largo de todos estos años en medio del Estrecho, quedará en parte conjurado por la artista latinoamericana más reconocida hoy en todo el mundo.
Brotes de racismo
No existe olvido pertinaz que soporte la rabia de esta mujer. No lo ha logrado el silencio impuesto durante décadas sobre las víctimas del conflicto que aflige pero no achanta hoy a su tierra colombiana, pero tampoco los desheredados de África, ni los caídos en el Holocausto, incapaces aún de alertar con su sombra los brotes de racismo y rechazo que envenenan hoy Europa.
Aquella grieta con la que Salcedo rasgó el suelo de la sala de la turbina en la Tate Modern londinense —su obra Shibboleth—, ha resultado profética para el continente. Ese dichoso trozo del mundo que quiere cerrar David Cameron por el Atlántico, alambicar el gobierno español por Ceuta y Melilla o fortificar a base de muros el derechista húngaro Victor Orban alrededor del Danubio, enciende su capacidad de denuncia.
Manuel Borja-Villel, director del Reina Sofía, espera paciente que Salcedo resuelva con un equipo de ingenieros y técnicos en su estudio de Bogotá las dificultades de Palimpsesto. “En un periodo que el mundo del arte exige a los creadores producir sin cesar, el trabajo de Doris se nos presenta como lento, a largo plazo. Eso es en sí relevante y dificulta la absorción por un mercado cada día más voraz. Sus temas tienen que ver con el sufrimiento y la marginación de los desposeídos, de los que no tienen voz. Justamente ese ritmo provoca que su obra nunca caiga en lo anecdótico, ni que, por tanto, se recree en el sufrimiento”, explica.
Su intención es clara en esta nueva instalación. Rellenará con arena especial todo el suelo del Palacio de Cristal. De esa superficie, mediante un complejo método hidráulico, se irán escribiendo con agua sobre la gravilla los nombres de cientos de muertos en su intento de atravesar el mar.
Despojos de pateras
Fantasmas ahogados, despojos de Ulises en pateras a la deriva, que huyen, con todo derecho, de la miseria. Quizás les espere al otro lado un futuro para muchos de ellos. Eso, si no se lo tuerce la muerte. A todos dirige la mirada ahora, esa gran conciencia dotada de poder de resurrección que Salcedo imprime a su obra.
Lo hace mediante un complicado entramado técnico que expandirá en 212 paneles elevados a 18 centímetros del suelo y cubrirán los casi 1.100 metros cuadrados del Palacio de Cristal. Los visitantes podrán caminar en medio de la instalación, a lo largo de rampas. Palimpsesto fue un encargo surgido a raíz del Premio Velázquez. Un reconocimiento que Salcedo obtuvo en 2010. “Encargar por parte de nuestro museo una obra a quien lo gane no es una norma escrita. Pero nos pareció oportuno hacerlo en su caso”, relata Borja-Villel.
Después de haber decorado el palacio de Justicia de Bogotá con sillas que se adherían a la pared como insectos gigantes salidos de una pesadilla; tras su grieta londinense, un encargo que le puso en la misma liga mundial de Olafur Eliasson o Anish Kapoor; después de sus pasos por Documenta (Kassel) o tras haber triunfado con una retrospectiva este año en el Guggenheim de Nueva York, Doris Salcedo anda estos meses volcada en la resolución de su Palimpsesto. Y prefiere no hablar de la obra hasta que esté terminada.
De nuevo explora el carácter fantasmagórico de la violencia, sin que se vea obligada a hacerla explícita. Prefiere Salcedo el poder chamánico de la evocación, dotar de aliento poético el recuerdo de quienes en contra de su voluntad cayeron por el camino.
Mujer discreta, artista de un rigor obsesivo, espíritu nada complaciente con el abuso, implacable con quienes detentan el horror, la artista colombiana calcula en su nueva instalación cómo volver a atragantar todo argumento que minusvalore el concepto sagrado de vida. El Reina Sofía vuelve a acoger, como hizo en 1994 con su obra Cocido y crudo, el arte incómodo y contundente de Salcedo.
Extraido de aquí: http://cultura.elpais.com/cultura/2015/11/28/actualidad/1448742397_021296.html
dijous, 26 de novembre del 2015
Alicia Kopf guanya el premi Documenta
LAURA SERRA Barcelona26/11/2015 00:00
L’artista Alicia Kopf (àlies d’Imma Àvalos Marquès, Girona 1982) ha guanyat el premi Documenta que atorga la llibreria del mateix nom i el segell L’Altra Editorial, i que està dotat amb 5.000 euros. El títol premiat, Germà de gel,és una mescla de diari personal, d’apunts per a un projecte expositiu i de fotografies. “Jo la considero una novel·la, però fragmentada amb forma de diari”, explicava ahir l’autora. Es tracta d’una “autoficció” a partir del diari d’un personatge amb qui Kopf comparteix algunes similituds i on explica “la seva investigació sobre la història de l’exploració polar i paral·lelament cola en aquests apunts personals fets de la seva vida quotidiana i de la seva intimitat”. El jurat del Documenta, de fet, ha premiat l’obra per “la visió personal del món, una veu narrativa desimbolta i l’habilitat a l’hora de combinar materials personals amb altres fonts documentals al voltant de la ciència, de l’art i de l’obsessió de la protagonista per l’Àrtic, el fred i el gel”.
Per a Alicia Kopf, que és llicenciada en belles arts i en teoria de la literatura i literatura comparada, Germà de gel és el destí final del cicle d’exposicions Àrticantàrtic -que s’han vist en espais com la Galeria Joan Prats i La Capella- on la història de l’exploració dels pols Nord i Sud li serveix d’excusa per investigar al voltant de les nocions de resistència (envers les dificultats) i de congelació (emocional), les dues paraules clau del projecte. “La novel·la també investiga en les dues direccions: cap enfora, a una història col·lectiva com és la història polar de fa un segle, i cap endins, a la pròpia identitat, perquè és una excusa per mirar al passat familiar i buscar el perquè de la congelació de les relacions familiars”, explica l’autora.
Del món de l’art a l’editorial
Alicia Kopf havia autopublicat anteriorment un altre títol, Maneres de (no) entrar a casa (2011), però es tractava d’un llibre d’artista on, tot i que hi havia relats sobre la precarietat, la il·lustració tenia un gran pes. A Germà de gel volia “fer una novel·la que s’aguantés per la història”, diu. Aquest canvi li exigia passar de l’entorn artístic a l’editorial, un món que desconeixia i on no tenia “cap contacte”, però volia “accedir als circuits oficials amb el mateix nivell d’exigència que un escriptor”. Per això es va presentar al Documenta, premi per a escriptors menors de 35 anys que en anteriors edicions han guanyat Jordi Nopca, Yannick Garcia, Albert Forns i Bel Olid. L’Altra Editorial publicarà Germà de gel a la primavera.
Article extret del diari Ara del 26/11/15: http://m.ara.cat/cultura/debutant-Alicia-Kopf-guanya-Documenta_0_1474652618.html?utm_medium=social&utm_source=twitter&utm_campaign=ara
Subscriure's a:
Missatges (Atom)
Pin it
